After-math, el disco que odiaron las feministas.

Estimable radioescucha escucha canciones de The Rolling Stones en Radio Mezcalito. A principios de 1966 Las Piedras Rodantes continuaba siendo considerada una banda inglesa que se limitaba a reciclar canciones de Rhythm & Blues. Mick Jagger y compañía ya habían mostrado su propia capacidad creativa al publicar canciones como "Satisfaction" y "19th Nervous Breakdown" obteniendo gran éxito de ventas, pero hacia falta una prueba contundente de que musicalmente podían llegar a ser tan competitivos como sus rivales de Liverpool. La evidencia emergió con la publicación del disco Aftermath en abril de 1966. El nuevo álbum, grabado en los estudios de la RCA en Hollywood luego de una polémica gira por tierras del Tío Sam, fue el primero del conjunto en donde todas las piezas fueron compuestas por el dúo Jagger-Richards. A pesar de haber sido grabado en tan sólo dos sesiones durante diciembre de 1965 y marzo de 1966, el fonograma resultante conformado por 14 temas resultó ser el trabajo más sólido del conjunto hasta ese momento. El álbum esta impregnado de una atmósfera musical cohesiva, unificada, enriquecida por el uso de instrumentos que anteriormente no estaban relacionados con el pop o el rock. En cuanto a las letras de las canciones, los temas abordados son provocadores, polémicos y en algunos casos exhiben una virulenta misoginia. La hostilidad hacia el sexo femenino se deja sentir en rolas como Under My Thumb, Stupid Girl y Out of Time, que con el tiempo otorgó a Los Stones la fama de "chicos malos del rock". Esa actitud agresiva hacia las mujeres era en parte un reflejo de las tormentosas y fallidas relaciones sentimentales sostenidas por Jagger. En Mother's Little Helper, Jagger y compañía describen la vida de una ama de casa que logra encarar los problemas y afanes de la vida cotidiana con la ayuda de medicamentos. La adicción a las drogas era tema delicado en el mundo del pop, y si la protagonista es una ama de casa, considerada como el corazón y núcleo de la familia, el asunto se convertía casi en tabú para la recatada sociedad inglesa. Tal vez por esa razón Mother's Little Helper no fue lanzada como disco sencillo en tierras de la Reina Isabel, pero se vendió como pan caliente en las libertinas tierras del Tío Sam.

El álbum contiene también tonadas de acaramelada belleza como Lady Jane, adornada con exquisitos sonidos de dulcimer, guitarra acústica y clavecín, dando como resultado un desenfadado coqueteo con el rock barroco que fue la envidia de grupos como The Left Bank o The Millenium. Las melodías agridulces también están presentes en los surcos del disco y ahí están como ejemplo What To Do y Take It Or Leave It. Además, huellas de música country y blues estadounidense son halladas con facilidad en la pieza High And Dry. El rhythm and blues, blues y rock and roll son ingredientes notorios en la música de It's No Easy, una canción poco valorada por los incondicionales de Keith Richards y compañía pero que en realidad es una de las mejores del disco. En dicha pieza el cantante llega a la conclusión de que es difícil sobrevivir por tu cuenta cuando tu mujer te ha abandonado a tu suerte, cual perro maloliente. Esos sentimientos ambivalentes y contradictorios acerca de la mujer, expresados a lo largo del disco parecen conducir al laberinto filosófico de que no puedas vivir con ellas, pero tampoco sin ellas. Flight 505 comienza con un solo de piano que entreteje notas bluseras, las cuales sorpresivamente se convierten en una reminiscencia de Satisfaction, dando entrada a la batería de Charlie Watts y al resto de la banda. Flight 505 no hace referencia a la avioneta en que Buddy Holly perdió la vida como muchos creen, sino al temor a volar. En It's No Easy, Doncha Bother Me, Out Of Time y en otras piezas del disco se escucha el sonido grave, zumbante, como de un avión bombardero en picada, que parece ser un bajo eléctrico al que Bill Wyman ha añadido un pedal de distorsión. Keith Richards se hizo cargo de las partes principales de guitarra en las sesiones de grabación pues Brian Jones parecía indispuesto durante periodos largos de tiempo, gracias al exceso en el consumo de extrañas sustancias químicas. A pesar de estar librando constantes batallas contra sus propios demonios internos, Jones tuvo el ánimo suficiente para realizar las aportaciones más importantes, incorporando al sonido del grupo instrumentos como la marimba en Under My Thumb y Out of Time; el sitar en Mother's Little Helper y Paint it, Black; y el dulcémele en Lady Jane así como en la infravalorada I'm Waiting. De esta manera Brian Jones dejó en claro que era el músico más brillante e imaginativo del grupo, pero también el más volátil, impredecible y menos confiable.

Al principio la banda quería que el álbum fuese titulado Could You Walk On The Water?, pero la disquera aborreció la idea. Los Rolling Stones también planearon que el disco tuviera funda desplegable de lujo y que incluyera un cuadernillo de 6 páginas con fotos de la banda, tomadas a todo color durante su más reciente gira por Estados Unidos, pero los miopes ejecutivos de Decca no quisieron ni oír hablar del tema. Algunas canciones grabadas durante las sesiones de diciembre del '65 y marzo del '66 quedaron fuera por falta de espacio, como Ride On Baby, y Sittin' On A Fence, siendo insertadas con calzador más tarde en discos recopilatorios como "Flowers" y en caras B de discos sencillos. Publicado por el sello Decca en Inglaterra, el álbum alcanzó con rapidez la posición número 1, aunque en Estados Unidos quedó atorado en el número 2, sin lograr desbancar a Rubber Soul de The Beatles. Las criticas hacia Aftermath no se hicieron esperar: algunas personas opinaron que el álbum era una abierta e inaceptable agresión hacia las mujeres, mientras que otras consideraron que los autores se limitaron a describir con exuberante nitidez los valores retorcidos dentro de una decadente sociedad machista. Es cierto que Jagger y Richards muestran inconsistencia en las letras a lo largo del disco y tuvieron que rellenar espacio descaradamente al incluir "Goin' Home", una canción recordada más por su duración de 11 minutos que por su contenido, pero también dieron prueba fidedigna de que estaban progresando y esa evolución musical a largo plazo les aseguró la supervivencia hasta nuestros días.

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Ficha técnica del disco Aftermath
Portada del disco SKL 4786 Contraportada del disco SKL 4786	Título del disco: Aftermath Artista: The Rolling Stones Formato: Disco de larga duración 33 1/3 rpm Duración del disco: 52 min 48 seg Fecha de lanzamiento: Abril 1966 País: Gran Bretaña Productor: Andrew Loog Oldham Ingeniero de audio: Dave Hassinger Sello disquero Gran Bretaña: Decca Stereo (SKL 4786) / Decca Mono (KL 4786) Género: Rock Estilo: Pop, Rhythm & Blues Posición en lista de éxitos: N°1 en GB / N°2 en EUA
Canciones del disco # Título de la canción Autor Intérprete Duración 1A Mothers Little Helper Jagger, Richards The Rolling Stones 2:40 2A Stupid Girl Jagger, Richards The Rolling Stones 2:52 3A Lady Jane Jagger, Richard The Rolling Stones 3:06 4A Under My Thumb Jagger, Richards The Rolling Stones 3:20 5A Doncha Bother Me Jagger, Richards The Rolling Stones 2:25 6A Goin' Home Jagger, Richards The Rolling Stones 11:35 1B Flight 505 Jagger, Richards The Rolling Stones 3:25 2B High And Dry Jagger, Richards The Rolling Stones 2:52 3B Out Of Time Jagger, Richards The Rolling Stones 5:15 4B It's Not Easy Jagger, Richards The Rolling Stones 2:35 5B I Am Waiting Jagger, Richards The Rolling Stones 3:10 6B Take It Or Leave It Jagger, Richards The Rolling Stones 2:47 7B Think Jagger, Richards The Rolling Stones 3:10 8B What To Do It Jagger, Richards The Rolling Stones 2:30 Artistas participantes. Mick Jagger – Voz principal Keith Richards – Guitarra y voz Brian Jones – Guitarra eléctrica, marimba, dulcimer, teclados Bill Wyman – Bajo eléctrico y percusiones Charlie Watts – Batería y percusiones Ian Stewart – Piano Jack Nitszche – Teclado y percusiones Créditos del disco. Estudio de grabación: RCA Studios en Hollywood, California Fecha de grabación: Diciembre 1965 y Marzo 1966 Diseño de portada: Sandy Beach Fotografía de portada– Guy Webster. Fotografías de contraportada - Jerrold Schatzberg. Datos curiosos e información adicional acerca del disco Aftermath El álbum fue publicado en Inglaterra bajo el sello Decca durante abril de 1966, tanto en versión monoaural (KL.4786) como en formato estereofónico (SKL.4786). En la imagen se observa el aspecto que tiene la etiqueta central del disco en su primara edición estereofónica. La etiqueta o "galleta" es de color azul con el nombre de la disquera en letras plateadas pero no enmarcadas (non boxed logo). Si anda en busca de una copia de la primera edición estéreo tal y como apareció primero en Inglaterra, este es el disco que debe buscar. Por otra parte, la etiqueta central del disco en su formato monoaural es de color rojo con el logo del sello disquero en grandes letras plateadas no enmarcadas (non boxed logo). Por supuesto, si de casualidad llega a ver estos discos en buen estado de conservación procure tener un buen crédito o capital, pues el acetato se deja querer por una módica aunque exorbitante y generosa suma. En Estados Unidos el disco fue publicado por el sello London conteniendo una lista de canciones inferior a la versión inglesa, pues aunque fue agregada la clásica Paint It, Black, quedaron fuera 4 temas: Mother's Little Helper, What To Do, Take It Or Leave It y Out Of Time, desbaratando la atmósfera cohesiva que proporciona un carácter unificado al álbum. Las piezas descartadas luego fueron incluidas en otras compilaciones lanzadas para el mercado estadounidense. En México, Aftermath fue publicado por el sello London en complicidad con Peerless pero desafortunadamente se trata de una edición basada en la adulterada versión estadounidense, limitada a 11 canciones. Del álbum se desprendieron algunos sencillos: Mother's Little Helper / Lady Jane publicado bajo el sello London en mayo de 1966. Paint it Black / Long Long While publicado en Estados Unidos por London el 7 de mayo de 1966, y por el sello Decca en Gran Bretaña el 13 de mayo del mismo año. El disco fue publicado en disco compacto en 1986 por el sello ABCKO de Allen Klein. El audio resultante era frágil, endeble por decir lo menos. Durante décadas los seguidores del grupo tuvieron que conformarse con esas ediciones piadosamente pobres en calidad auditiva. No fue sino hasta agosto del año 2002 cuando ABCKO despertó de un largo letargo y lanzó una serie de 22 títulos de Los Stones en el ambicioso formato Super Audio CD (SACD), mostrando que las cosas empezaban a mejorar. Ese año finalmente el disco Aftermath vio la luz en el formato de audio digital con un sonido decente. Aunque costosa, es mejor buscar la edición SADC editada en el 2002 si usted desea reemplazar su copia de vinilo. Deseamos que la información aquí publicada le sea de utilidad. Gracias por escuchar a The Rolling Stones en Radio Mezcalito. Saludos y hasta la próxima. Copyright © Andrés Lang

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Muertes Súbitas En La Historia Del Rock (1959 - 1970)

A lo largo de su historia, el siempre extravagante e impredecible mundo del rock y el pop ha sido conmocionado por las muertes trágicas, súbitas, repentinas de algunos de sus hijos predilectos. Cantantes y músicos por igual han sido sorprendidos por la visita de la Catrina, cuando se adivinaba que los artistas iban a aportar más al mundo y a la cultura del rock. Hagamos un recuento en estricto orden cronológico, de algunos de esos acontecimientos funestos, en donde la huesuda se ha llevado sin decir agua va, a músicos e intérpretes, cuando éstos se encontraban en un punto culminante de su carrera artística y en otros casos, en la época en que su trayectoria musical iba en franco declive. Como haya sido, nadie puede acusar a la flaca de ser discriminante, pues al momento de elegir a sus victimas no ha hecho distinción de sexo, edad, logros y/o trayectoria musical, y sin más preámbulos aquí están varios ejemplos:

Buddy Holly

03 de febrero 1959. Si hay una tragedia que merezca ese titulo es la que ocurrió a BUDDY HOLLY (click aquí para leer biografía completa), RITCHIE VALENS y THE BIG BOOPER. Hacia 1958 el intérprete de Peggy Sue, se había separado The Crickets y se había independizado de su productor de cabecera Norman Petty, con el propósito de explorar y alcanzar nuevo horizontes musicales. Sin embargo, al final de ese año el dinero escaseaba y para conseguir efectivo inmediato no encontró más opción que salir de gira. Así, durante el crudo invierno de 1958-59 organizó e inició la gira titulada Winter Dance Party que tuvo lugar en diversas locaciones de Estados Unidos y en donde participaron Ritchie Valens, Jiles P. Richardson Jr. mejor conocido comoThe Big Booper, Dion And The Belmonts así como el propio Holly.

Ritchie Valens

La gira estuvo plagada de dificultades, y entre ellas destacó una logística deficiente. Para economizar gastos Buddy contrató a una compañía de transporte que les facilitó un camión de pasajeros a bajo costo. Sin embargo, la empresa suministró un viejo e incómodo autobús de pasajeros cuyo sistema de calefacción no funcionaba. El vehículo sufría descomposturas con inaudita frecuencia y los dejaba varados a mitad de camino, a merced del crudo e inclemente frío invernal. El viacrucis y las calamidades no parecían tener fin. Cansado de viajar en ese destartalado autobús, el creador de That'll be the day rentó una avioneta de 4 plazas para que él y su nuevo grupo de acompañamiento (Tommy Allsup y Waylon Jennings) viajaran sin contratiempos desde Clear Lake hasta el lugar de la próxima tocada. La noche del lunes 2 de febrero, Holly y compañía se presentaron ante más de 1000 personas en un lugar llamado “Surf Ballroom” en la población de Clear Lake, Iowa.  Al terminar el concierto ya se había corrido la voz y todos los músicos que participaba en la gira querían un lugar en la avioneta rentada por Holly.

The Big Booper

Cuenta la leyenda que The Big Booper estaba sufriendo un espantoso resfriado y rogó a Jennings que le cediera su lugar en la avioneta. Por su parte Allsup perdió su asiento en un volado con Ritchie Valens. De esta manera, los 2 malogrados rocanroleros aseguraron su pase de abordar acompañando a Buddy Holly en el avión de la muerte. La pequeña avioneta Beech Bonanza, Model-35 despegó del aeropuerto ubicado en Mason City a eso de la 1 de la mañana del 3 de febrero. Sin embargo, una densa neblina impedía la visibilidad, bajas temperaturas imperaban a esa hora con un viento helado que soplaba a 35 millas por hora. A todo eso se añadió la falta de pericia del piloto, el cual no tenia experiencia suficiente para volar el aparato por instrumentos. Tras haber recorrido 8 millas, la avioneta quedó atrapada en medio de una tormenta de nieve y terminó por desplomarse estrepitosamente en un campo de maíz cubierto de hielo. Ninguno de los tripulantes sobrevivió al terrible impacto. El cuerpo de Ritchie Valens fue hallado a 12 m. de los restos de la avioneta. Los cuerpos de Buddy Holly y The Big Booper fueron localizados a 6 m. de distancia. Sus restos estaban tan maltratados que fue difícil identificarlos. Posiblemente ésta fue la primera y más sensible pérdida en la historia de la música de rock. 3 jóvenes músicos emprendieron el camino sin regreso, cuando se adivinaba que iban a aportar más a la música de rock, y no por nada aún hay quienes coinciden en señalar que ese fue el día en que la música murió.

Eddie Cochran

17 de abril 1960. Sería una infamia olvidar al gran EDDIE COCHRAN (recuerden temas como Summertime Blues, C'moon everybody, etc) fallecido en un accidente automovilístico mientras se encontraba de gira por Gran Bretaña. Cerca de la medianoche del día 16 de abril el taxi Ford Consul en el que viajaba junto a su novia y junto a Gene Vincent iba a exceso de velocidad. Cerca de Rowden Hill un neumático se reventó de pronto y el taxista perdió el control del vehículo. Eddie que viajaba en el asiento trasero se abalanzó sobre el cuerpo de su novia para protegerla, antes de que el automóvil culminara su loca carrera estrellándose contra un poste. Con el impacto las puertas del taxi se abrieron y el cuerpo de Cochran salió expulsado del vehículo. Mal herido, el creador de Three Steps To Heaven fue llevado al hospital San Martin en la población de Bath, en donde falleció a las 4 de la mañana.

Patsy Cline

05 de marzo 1963. PATSY CLINE, admirada cantante de música country, que logró éxitos destacados como Crazy, Walking after midnight, y She's got you. Cline ya había sufrido 2 severos accidentes automovilísticos a lo largo de su vida, pero la tercera fue la vencida. La intérprete de I fall to pieces falleció junto con todos los pasajeros del avión de 4 plazas Piper Comanche, cuando el aparato cayó a tierra cerca de Camden, Tennessee. Esa tarde a pesar de que el clima era adverso y al piloto le habían sugerido esperar al día siguiente para emprender el vuelo, el avión despegó hacia su destino fatal, cayendo en picada minutos más tarde y causando la muerte instantánea de todos los tripulantes.

Johnny Burnette

01 de agosto 1964. JOHNNY BURNETTE obtuvo gran éxito con la canción 'Dreamin' publicada en 1960, sin embargo, su carrera artística terminó repentinamente cuando el bote pesquero en el que navegaba se estrelló contra un crucero en Clear Lake, California. El autor de You're Sixteen perdió el conocimiento tras el impacto y murió ahogado al caer su cuerpo al agua.

Sam Cooke

11 de diciembre 1964. SAM COOKE, excepcional cantante de Gospel, Soul y Rhythm And Blues, creador de éxitos perdurables como A change is gonna come y Send me. Cooke sigue siendo considerado uno de los intérpretes de Rhythm & Blues más importantes e innovadores, así como uno de los más enconados promotores de este género musical al haber fundado su propia compañía disquera. El interprete de Chain Gang  murió acribillado en el motel Hacienda ubicado en Los Ángeles, California, a manos de Bertha Franklin, la administradora del motel, por causas que aún no han sido aclaradas adecuadamente. Existen varias teorías acerca de su deceso, algunas giran en torno a una conspiración para asesinarlo, y otras apuntan al simple y vulgar robo como posible móvil del crimen. La noche del 11 de diciembre Cooke había llegado al motel acompañado por una joven mujer que más tarde fue identificada como Elisa Boyer. Minutos más tarde Boyer salió precipitadamente del motel llevando consigo varias prendas de hombre. De acuerdo al testimonio que Franklin rindió ante la policía, Cooke se presentó furioso en la oficina de Franklin vestido con solo una chaqueta deportiva y abajo nada mas que un zapato, exigiendo saber en dónde estaba la mujer con la que él había llegado. Franklin dijo no haber visto a la joven mujer, pero Cooke no creyó una sola palabra.

Sam Cooke

En un momento dado de la discusión, ambos forcejearon y cayeron al piso. La mujer logró zafarse y corrió por un arma de fuego. Cuando Cooke se acercó de nuevo a la administradora, ésta le vació el arma sin miramientos. Cooke recibió todos los impactos, y alcanzó a decir "¡mujer me disparaste!". Franklin lo remató asestándole un golpe a la cabeza con un palo de escoba que tenía a la mano, logrando que Cooke finalmente cayera al piso. Por su parte Boyer declaró a las autoridades que había conocido a Cooke la tarde de ese día y habían estado juntos en un centro nocturno. Después Boyer pidió a Cooke que la llevara a casa, pero éste la condujo con engaños al motel ya mencionado. Tras haber rentado una habitación, ambos subieron y sostuvieron un riña en el interior del cuarto. Boyle salió corriendo de la habitación no sin antes tomar de prisa su ropa y en su loca carrera también se llevó parte de la ropa de Cooke. Bajó corriendo las escaleras y tocó a la puerta de la oficina de la administración, pero nadie acudió al llamado. Sintiendo que Cooke le pisaba los talones, salió huyendo del lugar y llamó a la policia desde un teléfono público que encontró a unos pasos del motel. Sin embargo, ésta versión de Boyer ha sido severamente cuestionada con el paso de los años debido a ciertos detalles, incluyendo el hecho de que los cientos de dólares que portaba Cooke entre sus ropas nunca fueron encontrados. Además, tiempo más tarde Boyer fue arrestada por ejercer la prostitución. En un principio la conducta agresiva de Cooke fue atribuida en parte a que se suponía que éste había bebido mucho ese fatídico día, aunque más tarde la autopsia reveló que el autor de Bring it on home to me no había probado una sola gota de alcohol. Como haya sido, la policía dio por cerrado el caso, declarando que la administradora jaló varias veces el gatillo en defensa propia, aunque Cooke ni siquiera estaba armado.

Johnny Kidd

07 de octubre 1966. Otro que entregó el equipo vía accidente carretero en 1966 fue JOHNNY KIDD (de la banda inglesa Johnny Kidd And The Pirates) cuyo más grande éxito fue la inmortal Shakin' all over, rola que más tarde retomarían con maestría bandas como The Guess Who y The Who. Pasada la medianoche Johnny viajaba como pasajero en un automóvil por la carretera A58, en Bury New Road, Breightmet, cerca de Radcliff , Lancashire, cuando el vehículo que lo transportaba se impacto de frente contra otro que conducía un adolescente.

Otis Redding

10 de diciembre 1967. OTIS REDDING, el carismático  intérprete y compositor de Soul y Rhythm And Blues, que entre otras hazañas enloqueció a la multitud blanca del Festival Pop de Monterrey en 1967, perdió la vida junto a 5 pasajeros más incluyendo a miembros de su banda de acompañamiento The Bar-Keys cuando el avión modelo Beechcraft H18 en el que viajaban se precipitó hacia las gélidas aguas del lago Minona en Madison, Wisconsin. Las causas del accidente en el que el autor de I’ve Been Loving You Too Long’ y ‘(Sittin’ On) The Dock Of The Bay perdió la vida nunca han sido establecidas con certeza, pero ese día las condiciones climáticas no eran idóneas para volar: el clima de ese fatídico día era lluvioso y soplaba un viento frío. Los integrantes de su grupo de acompañamiento que también perdieron la vida esa tarde fueron Carl Cunningham (batería), Phalin Jones (saxofón), Jimmy King (guitarra eléctrica), Ronnie Caldwell (órgano).

Frankie Lymon

27 de febrero 1968. FRANKIE LYMON, el niño prodigio que formó parte del grupo Frankie Lymon And The Teenagers, recordado por su interpretación de temas como Why do fools fall in love, I Want You To Be My Girl y I Promise To Remember, se adelantó en el camino cuando apenas tenía 26 años de edad, al sucumbir a una letal sobredosis de heroina en el departamento de su abuela en Harlem, Nueva York. Aunque la fama y carrera musical del intérprete de The ABC's of Love estaba en franco declive y había pasado penurias durante los años 60s del siglo XX, se había mantenido limpio de drogas durante meses. Sin embargo, el cantante cayó de nuevo en la tentación con motivo de la celebración de un nuevo contrato de grabación que había obtenido, dándose el pasón de su vida.

Brian Jones

03 de julio 1969. BRIAN JONES, el talentoso, polémico y atormentado músico multinstrumentista de The Rollings Stones, fue encontrado sin vida en el fondo de la piscina de su casa en Cotchford Farmpasada la media noche del 03 de julio. Su repentino fallecimiento ha dado lugar a varias especulaciones. Las teorías oscilan entre la muerte accidental y el asesinato. Anna Wohlin, que en la época en que ocurrió el deceso era la pareja sentimental de Brian, publicó su versión de los hechos en 1999, tras 30 años de silencio. Cerca de la medianoche Brian se encontraba en compañía de Wohlin y de una pareja invitada conformada por un jefe de albañiles llamado Frank Thorogood y la novia de éste, Janet Lawson. El ex integrante de Los Rolling Stones había contratado semanas antes a Frank para efectuar trabajos de albañilería en su casa, pero lo había despedido tiempo después al sentirse estafado por el albañil y su equipo de trabajo. Aún así, aquella noche el músico invitó a Frank para cenar y divertirse en la alberca de su residencia.

Brian Jones y Keith Richards haciendo de las suyas

Con excepción de Janet, los demás se zambulleron en el agua y empezó un diabólico juego. Brian atascatado de droga y vino tinto comenzó a hacer comentarios burlones y sarcásticos acerca del albañil. Éste en respuesta comenzó a sumergir la cabeza de Brian en el agua. Cuando finalmente lo liberaba, Brian escupía agua, sonreía y continuaba burlándose, reprochando al albañil su actitud hostil. Frank repetía la dosis a Brian sumergiéndolo en el agua cada vez por más tiempo, a punto del ahogamiento. En esas andaban cuando Anna salió del agua y entró a la casa para atender una llamada telefónica, mientras el peligroso juego continuaba en la alberca. Minutos más tarde el albañil entró también a la casa, nervioso y temblando. Con el pulso incontrolable encendió un cigarrillo. Janet notó que el bullicio en el agua había cesado y en su lugar un silencio sepulcral reinaba en la zona de la alberca. Salió en busca de Brian, pero este no se veía por ningún lado y no respondía a sus gritos. De pronto vislumbró la silueta del malogrado músico en el fondo de la alberca. Alarmada gritó a los demás acerca del macabro hallazgo que había ensombrecido su alma. Anna, desesperada se lanzó al agua para rescatar a Brian y lo propio hizo el albañil. Sacaron el cuerpo de Brian pero ya era demasiado tarde. Histérica, Anna seguía intentando la resucitación cardiopulmonar aún cuando el grupo de paramédicos ya había llegado al lugar de los hechos. Tuvieron que forcejear con ella para apartarla del cuerpo de Brian. Tras la investigación policíaca las autoridades cerraron el caso declarando que la muerte de Jones había ocurrido por ingesta excesiva de drogas y alcohol. En el año 2009 la policia de Sussex reabrió el caso tratando de esclarecer nuevamente el supuesto misterio.

Jimi Hendrix

18 de septiembre 1970. JIMI HENDRIX, músico, cantante y compositor considerado por muchos como el más grande guitarrista en la historia del rock. El intérprete de Purple Haze y Voodoo Child había ingerido generosamente píldoras de anfetaminas y otras drogas durante una fiesta la noche del 17 de septiembre. Sin mucho ánimo regresó al hotel Samarkand en Nothin Hill Londres con una joven sueca que era su pareja sentimental de aquel entonces. Juntos bebieron vino y comieron emparedados de pescado. Durante la madrugada del 18 de septiembre, desesperado por no lograr conciliar el sueño, Hendrix ingirió una dosis mortal de 9 pastillas Vesparax, poderoso sedante de fabricación alemana que en poco tiempo lo dejaron inconsciente. Su organismo trató de expulsar las drogas, el alcohol y el alimento a medio digerir que había consumido a lo largo del día. Sin embargo, el alimento quedó atorado en la traquea del célebre músico, que terminó ahogado en su propio vómito. Después fue revelado que cuando la ambulancia llegó al apartamento de Hendrix, éste ya llevaba muerto al menos 7 horas.

Jimi Hendrix

Aún así, John Bannister, médico que recibió el cuerpo de Hendrix en el desaparecido hospital St Mary Abbots en Kensington, trató de revivir al artista por media hora sin éxito. El médico sostiene que encontró una cantidad inusual de vino rojo no únicamente en la traquea del notable guitarrista, sino también en el estómago. Además el cabello del hoy occiso estaba completamente salpicado de vino así como la ropa. Con el paso del tiempo la teoría de asesinato por ahogamiento con vino rojo se ha visto fortalecida. James "Tappy" Wright quien fue manager de Hendrix, sostiene que el músico fue asesinado por órdenes de Mike Jeffrey quien también era manager del artista. En esta versión, Wright sostiene que Jeffrey habría mandado gente a la habitación del músico, forzándolo a ingerir las pastillas Vesparax y a beber vino rojo hasta el ahogamiento. De esta manera podría cobrar un seguro de vida cuya póliza se habría incrementado por la adicción a las drogas del aclamado guitarrista. Otros opinan que Jeffrey cometió el crimen por órdenes de la policía secreta o de la mafia. Como haya sucedido, la policía cerró el caso declarando que el intérprete de Are you experienced?  murió ahogado en su propio vómito debido a sobredosis de drogas.

Janis Joplin

04 de octubre 1970. JANIS JOPLIN, la cantante de la peculiar voz con garra, que logró notoriedad formando parte de la banda Big Brother and The Holding Company, perdió la vida en el motel Landmark Motor de Los Angeles, California tras ingerir una mortífera combinación de alcohol y heroína. Joplin se encontraba trabajando en su próximo lanzamiento discográfico cuando la Catrina la sorprendió en plena viaje alucinógeno. La mañana del 3 de octubre la fabulosa intérprete de Piece of my heart acudió al estudio de grabación Sunset Sound para escuchar la pista básica de Buried Alive In The Blues, y acordó con el productor Paul A. Rotchild que al día siguiente colocaría su voz en la rola. Sin embargo, la reina psicodélica del soul jamás acudió a la cita. Durante la tarde del mismo 3 de octubre la intérprete que sorprendió a la multitud del Monterrey Pop Festival con su inmortal interpretación de Ball And Chain, acudió al bar Barney's Beanery ubicado en el boulevard Santa Mónica. Tomo un par de tragos y salió de ahí rumbo al motel en donde se hospedaba, para ponerse en onda con una fuerte dosis de heroína.

Janis Joplin

Aunque nadie puede asegurarlo con certeza, al parecer el administrador del motel George Sandoz fue el último en verla con vida. A la noche Janis bajó  a comprar cigarrillos y Sandoz ni tardo ni perezoso se los facilitó. La añorada intérprete de Me and Bobby McGee pagó la mercancía y el tipo le proporciono cambio de 4.50 dólares. Janis dio las buenas noches a Sandoz y regresó  a su cuarto en donde ya había bebido una generosa cantidad de tequila y un par de pastillas del temible Valium. Al parecer la bruja cósmica  pasaba por una racha de profunda soledad y depresión que se agudizó cuando varios amigos que habían prometido acompañarla el fin de semana no acudieron a verla y ni siquiera se molestaron en avisarle. A la mañana siguiente Janis estaban tan colocada por la explosiva mezcla de químicos ingerida, que perdió el conocimiento, entregándose a un sueño profundo del que jamás despertaría. 18 horas más tarde, Paul A Rotchild preocupado al ver que no llegaba, trató de contactarla por teléfono sin éxito. El músico John Cook fue en su búsqueda al motel Landmark Motor. Al llegar observó que el inconfundible automóvil Porsche 356C Cabriolet de Janis, pintado sicodelicamente, permanecía estacionado. Tocó a la puerta de la habitación pero nadie respondió. Acudió al administrador del hotel quién abrió con una llave de repuesto y la encontraron tirada boca abajo en el piso de su cuarto. Aún conservaba en la mano el cambio de 4.50 dólares que Sandoz le había dado. Cook lloró amargamente. Después de la autopsia el médico forense declaró que Janis había sucumbido a una sobredosis de heroína y morfina. Su cuerpo fue cremado y sus cenizas fueron esparcidas sobre el Océano Pacífico. Su recuerdo aún perdura en todas las generaciones que han sido tocadas por su música y sus desgarradoras pero sublimes interpretaciones.

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Memorias De Un Melotrón.

I. Legendario Abuelo De Los Sintetizadores Modernos.
II. Un Poco De Historia.
III. Principio de funcionamiento.
IV. Su Popularidad en la Música de Rock.
V. Guía de Audición.
VI. El Melotrón en el Ciberespacio.
VII. Club De Amigos Del Melotrón.



I. Legendario Abuelo De Los Sintetizadores Modernos.

Calidos y misticos sonidos emanan de un instrumento musical que ha tenido un papel importante en la historia de la música popular. Ellos le llaman "Melotrón" y con toda justicia es el honorable precursor del sintetizador moderno. Hoy en día -gracias al vertiginoso avance de la tecnología- existe la posibilidad de utilizar teclados ligeros y compactos que reproducen con buena calidad toda una gama de sonidos a partir del muestreo o sampleado digital (aunque rara vez el teclado moderno está al alcance del bolsillo promedio). ¿Qué camino recorrió este instrumento musical antes de tener las características y el aspecto que en la actualidad posee? Como ya se sabe, uno de los ancestros del sintetizador moderno es el Melotrón (del inglés 'Mellotron')⁽¹⁾ desarrollado en Birmingham, Inglaterra en los primeros años de la década 1960s. Este instrumento musical tiene cualidades muy especiales que le permiten reproducir de manera analógica sonidos que tienen una identidad básicamente suave, cálida, a veces melancólica, misteriosa y dulce. Durante su época de esplendor (entre 1966 y 1975) fue utilizado en forma prominente sobre todo por músicos de rock británico, quienes estaban en búsqueda de nuevas experiencias auditivas, que les permitieran expresar al mundo sus cada vez más extravagantes y rebuscadas ideas.
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II. Un Poco De Historia.

Cuenta la leyenda que un buen día de 1962 un estadounidense llamado Bill Fransen solicitó a la compañía Bradmatic Ltd la fabricación de 70 cabezas lectoras de cinta magnética. Los hermanos Leslie, Brad y Norman Bradley -quienes estaban a cargo de la empresa-, quedaron intrigados con tal petición y fueron a ver personalmente a Fransen quién sin perder tiempo les mostró un instrumento musical hecho por Harry Chamberlin en EUA⁽²⁾, y el cual consistía en un teclado aparentemente común y corriente, pero que en realidad reproducía el sonido de cintas magnéticas pregrabadas. Fransen era promotor de ventas del teclado "Chamberlin" pero se sentía frustrado porque el inventor del peculiar instrumento no parecía muy interesado en mejorar el diseño y los problemas mecánicos que reportaban con insistencia los usuarios de dicho aparato. Los hermanos Bradley por su parte, quedaron fascinados ante el nuevo reto que se les imponía, y se dieron a la tarea de fabricar un instrumento similar pero que mejorara las características del primero, corrigiendo algunos defectos de ingeniería. El resultado de este nuevo proyecto fue llamado "Mellotron Mark I" y fue producido en cantidad limitada por la nueva empresa "Streetly Company" a finales de 1962.⁽³⁾ La idea era que el instrumento tuviera un uso casero tal y como ocurría con el órgano Hammond y otros instrumentos electrónicos de la época.⁽⁴⁾

Hacia 1964 apareció el "Mellotron Mark II" que presentó mejoras en las características de su antecesor y fue fabricado en mayor cantidad. Este modelo estuvo conformado por dos teclados de 35 notas o teclas cada uno. El teclado para la mano izquierda reproducía patrones rítmicos (por ejemplo ritmos de Bossa Nova, Rumba, Dixieland, Vals, Foxtrot, Tango, Bolero, Samba, Cha-Cha, etc.) y 18 ritmos de acompañamiento. Con el teclado a mano derecha se podía seleccionar entre 18 sonidos de instrumentos para melodías, organizados en 6 grupos de 3 sonidos. El Mark II utilizaba además cintas magnéticas de 3/8 de pulgada y entre 1964 y 1968 fueron producidos 254 ejemplares. A continuación hizo acto de presencia el Mellotron M300 del cual se fabricaron solo 60 instrumentos entre 1968 y 1970. Esta singular versión tenía un teclado unico de 52 teclas, regresaba al uso de las cintas magnéticas de 1/4 de pulgada y no tenía perilla de pitcheo. En aquella época el Melotrón todavía era considerado un instrumento para disfrutar en la comodidad del hogar y como tal era promocionado en los medios de comunicación.

No fue sino hasta 1970 cuando la empresa Mellotronics cayó en la cuenta de que eran los grupos de rock quienes demandaban con ansiedad la posesión del singular instrumento. Asi que cuando salió al mercado el Mellotron M400, éste incorporaba un diseño que hacía más fácil su transportación haciéndole la vida más fácil a los músicos que querían presumir en el escenario su nuevo juguete. El M400 fue el más popular de la familia pues aparte de ser un poco más ligero, regresaba al uso de cintas de 3/8 de pulgada y agregaba 16 nuevos sonidos. Entre 1970 y 1986 fueron producidos 2000 ejemplares, incluyendo su última y final encarnación: "El Novatronic".

El Melotrón entró en decadencia hacia los años 80s debido principalmente a los problemas financieros de la empresa que lo fabricaba aunque también influyó el hecho de que la compañía perdió los derechos de explotación del nombre comercial "Mellotron" ante la empresa Dallas Musical Instruments de Mawhaw, Nueva Jersey. Por ésta razón la última generación del instrumento fue llamada "Novatronic". El tiro de gracia se lo propinó el avance continuo de la tecnología pues nuevos instrumentos sintetizadores aparecieron en el mercado, los cuales aprovechaban las ventajas del sampleado electrónico mediante transistores y circuitos integrados. En aquellos años ya existían en el mercado aparatos más ligeros, transportables y relativamente económicos. En 1987 la empresa "Streetly Company" finalmente perdió la batalla y dejó de fabricar el melotrón, por lo que éste quedó olvidado durante algún tiempo, añorando los días de gloria y popularidad que alguna vez había gozado.⁽⁵⁾
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III. Principio de funcionamiento.

El melotrón está inspirado en el teclado de Harry Chamberlin, pero muchos los consideran como uno de los instrumentos musicales precursores de los sintetizadores actuales. La gran diferencia consiste en que el melotrón funciona a base de muestreo o sampleado analógico y los teclados modernos usan el sampleo digital con memorias RAM, microprocesadores y todo lo demás. El melotrón reproduce muestras de sonido que provienen de cintas magnéticas grabadas previamente. Cada vez que es presionada una de las teclas del melotrón, empieza a circular una cinta magnética con audio pregrabado y su sonido es reproducido mediante una cabeza lectora asociada a cada tecla. Cuando se deja de presionar la tecla o cuando termina la longitud de la cinta, un resorte rebobina la cinta a su posición original. Las cintas magnéticas tienen un ancho de 3/8 de pulgada⁽⁶⁾, su duración es de 8 segundos aproximadamente y tienen grabadas varias pistas de audio. En las cintas esta grabado el sonido de flautas, violines, violas, trompetas, organos, piano, guitarra, marimba, clavicordio, saxofón, trombón, acordeón, etc.

El instrumento es polifónico por lo que puede reproducir acordes en su teclado. Ésta característica lo hizo muy atractivo para los músicos de los años 60s, pues el aparato les daba la oportunidad de ejecutar acordes de flautas, violines o trompetas. Debido a la forma en que funciona y está diseñado, el instrumento en cuestión no responde a la velocidad de pulsación. Es decir, no importa que tan rápido toques una tecla pues el sonido saldrà del instrumento siempre con la misma velocidad. Consecuencia: los virtuosos del teclado no pueden lucirse interpretando un veloz 'solo' de melotrón. Por otro lado, las cabezas lectoras de las cintas requieren mantenimiento períodico ya que de lo contrario las cintas tienden a trabarse o incluso a romperse.⁽⁷⁾ Otra desventaja es que el melotrón es un instrumento frágii: movimientos leves o su transportación de un lugar a otro pueden desajustar las cabezas lectoras y desafinarlo. También las variaciones de voltaje, de temperatura y la humedad pueden desajustarlo. Y eso no es todo: en sus años dorados el melotrón fue un instrumento caro -a mediados de los años 1960s se dejaba querer por 1000 libras esterlinas- y hoy en día sigue costando una pequeña fortuna.
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IV. Su Popularidad en la Música de Rock.

Hasta donde se sabe, fue Graham Bond el primer músico famoso en grabar un disco utilizando los distintivos sonidos del melotron MKII. En julio de 1965 lanzó un disco sencillo cuya cara A se tituló "Lease On Love". Casi para cerrar el año volvió de nuevo a la carga con la canción "Baby Can It Be True" logrando que la prensa de la época hiciera énfasis en el empleo del novedoso instrumento. Meses más tarde, en octubre de 1966 el tecladista Manfred Mann también echó mano del melotrón Mark II registrando con su banda una serie de temas memorables: "Semi-Detached Suburban Mr James", "Each And Everyday", "A Now And Then Thing", "Each Other's Company", "Autumn Leaves" y "As Long As I Have Lovin'". Al año siguiente el melotrón los acompañó en sus siguientes aventuras musicales: "Ha! Ha! Said The Clown" y "So Long Dad".

El sindicato de músicos en Gran Bretaña trató de impedir durante algún tiempo que se continuará la fabricación del melotrón por su capacidad de reproducir los sonidos de otros instrumentos. Creían que el aparato les quitaría fuentes de trabajo en las salas de concierto, en las sesiones de grabación, en los programas de radio, y televisión por su capacidad de reproducir los sonidos de diferentes instrumentos. En realidad el melotrón debido a todas sus limitantes no logró tal hazaña, pero trazó el camino para que otros fabricantes desarrollaran sintetizadores/sampleadores que remplazaran con fidelidad el uso de flautas, cuerdas o metales auténticos.

Uno de los músicos que defendió tenazmente -en radio y televisión- el uso del melotrón fue Mike Pinder del grupo de rock "The Moody Blues". Pinder estaba familiarizado con el instrumento ya que durante un tiempo trabajó en la "Streetly Company".⁽⁸⁾ En 1967 hizo empleó del instrumento para grabar con su banda la canción "Love And Beauty". Meses más tarde el melotrón tuvo una participación memorable en la canción "Nights In White Satin" asi como en la mayor parte del disco "Days Of Future Passed" que es considerada por muchos como una obra maestra en la historia del rock. En los años que siguieron el melotrón apareció con insistencia en los discos de "The Moody Blues".

A mediados de 1967 en pleno verano del amor, el rock ácido y la psicodelia, el grupo de rock The Zombies inició la grabación del que resultó su último disco LP: Odessey & Oracle. Lo grabaron en diferentes locaciones pero con frecuencia utilizaron los estudios de EMI Records en Abbey Road en donde les facilitaron un melotrón. Rod Argent, el inspirado tecladista de la banda creó memorables melodías y acompañamientos con el instrumento procurando sacarle el mayor partido en temas como: "Changes", "Brief Candles" y "Hung Up On A Dream".⁽⁹⁾ El resultado fue un disco que en su tiempo pasó injustamente desapercibido pero que en la actualidad es considerado una joya discográfica sin atenuantes.

No se quedaron atrás Los Kinks, inolvidable banda de rock británico que produjo temas inteligentes e inspirados haciendo uso prolífico del celebrado instrumento. Hacia 1967 ésta agrupación comandada por Ray Davies estaba viviendo una etapa de refinamiento y brillante inspiración musical, la cual tuvo como consecuencia el lanzamiento consecutivo de material discográfico que como de costumbre en su tiempo paso con más pena que gloria y ahora es aclamado hasta por los críticos más exigentes. El melotrón algunas veces ejecutado por Ray Davies y otras por el hábil tecladista Nicky Hopkins, se deja oir en los discos "Something Else By The Kinks" y "The Kinks Are The Village Green Preservation Society" asi como en las canciones: "Lazy Old Sun", "Autumn Almanac", "Days", "Phenomenal Cat", "Mr. Songbird", "Berkeley Mews", "Do you remember Walter?" y varias más.

Otro grupo británico que sacó provecho del vital instrumento para crear su propia obra maestra fueron Los Pretty Things. En 1968 concibieron y grabaron el album "S.F. Sorrow", trabajo discogràfico considerado la primera ópera rock en la historia. En este disco el melotrón se deja oir en las canciones: "S.F. Sorrow is born" y "Ballon burning". También es notable su intervención en la destacada gema psicodelica "Talking about the good times'". Por supuesto hay más bandas que tuvieron el honor de contar con la participación del temperamental melotrón y entre ellas destacan Los Stones que lo presentaron de la mano de Brian Jones en temas como "We Love You" y "2000 light years from home". La banda de rock progresivo "King Crimson" primero mediante el tecladista Ian McDonald y después vía Robert Fripp lo utilizó en varias oportunidades empezando con el célebre album "In The Court Of Crimson King". Durante los años 70s el mellotron disfrutó su época de esplendor y mayor popularidad haciendo acto de presencia en los multitudinarios conciertos del grupo Yes y Genesis o en la electrónica propuesta musical de la banda alemana Tangerine Dream. Pero el mundo recordará sobre todo su magistral contribución en la melodía "Strawberry fields forever" grabada por Los Beatles a finales de 1966, cuando el grupo ya estaba sumergido en su étapa de experimentación, innovación y búsqueda de nuevos sonidos.

En los años 90s numerosas bandas de rock notaron que su talento creativo se desvanecía -aunque quizá nunca lo tuvieron en realidad- asi que empezaron a escrudiñar en el pasado para absorber ideas. Varias repararon en el melotrón y contrataron sus servicios. Entre los nuevos clientes se contaron bandas y solístas como: Pulp, Marillion, U2, The Smashing Pumpkins, Oasis, Sheryl Crow, Tori Amos, Lenny Kravitz, Stone Temple Pilots, Pearl Jam, Red Hot Chili Peppers, Faith No More y Radiohead. Durante el nuevo milenio y con el advenimiento de la moda 'retro' el melotrón es de nuevo un bienvenido huesped en los estudios de grabación de Europa y otras partes del mundo.
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V. Guía de Audición.

Aún cuando el melotrón no es un instrumento popular y accesible (ya quedamos en que si usted desea comprar uno le costará una pequeña fortuna), sus sonidos han quedado plasmados en numerosos discos y cintas magnéticas. Desde 1965 forma parte fundamental de la historia y evolución del rock. Su participación en grabaciones de rock progresivo, pop, psicodelia, música electrónica y hasta el punk dan una clara idea de su importancia y trascendencia. En varios discos del grupo "The Moody Blues" como "Days Of Future Passed", "In Search of the Lost Chord", "On the Threshold of a Dream", y "To Our Childrens' Childrens' Children", etc; es posible disfrutar una buena dosis de melotrón. También en los discos "In The Court Of The Crimson King", "In the Wake of Poseidon", "Lizard", "Island", y "Red" entre otros del grupo King Crimson. Por supuesto, los discos "Oddesey & Oracle" (The Zombies), "The Village Green Preservation Society" (The Kinks), "S.F. Sorrow" (Pretty Things) y "As Is" (Manfred Mann) también son ampliamente recomendados. En el disco "Wonderwall Music" lanzado en 1968, George Harrison utiliza generosamente algunos patrones ritmicos de melotrón asi como otros sonidos.

Reunir en un solo lugar todas las grabaciones en que ha participado el instrumento que nos ocupa es una tarea titánica. Andy Thompson ha hecho un esfuerzo meritorio al enlistar con lujo de detalles en su página WEB Planet Mellotron (actualmente ya extinta), todos los albumes y discos sencillos en donde el 'tron' (como muchos lo llaman cariñosamente) ha hecho acto de presencia, enlistando además nombres de intérpretes, fechas y hasta breves semblanzas. En 1992 fue publicado en CD un album titulado "Rime Of The Ancient Sampler - The Mellotron Album" que reúne 18 melodías interpretadas por músicos contemporáneos y que constituye un merecido homenaje a éste legendario instrumento.⁽¹⁰⁾ El último track de este CD es "El Cumbanchero": curiosa grabación de demostración (en formato de disco a 45 r.p.m.) que junto con el manual de rigor era entregada a los compradores del nuevo y reluciente melotrón allá por 1964. Describía en forma breve las caracterìsticas y alcances del instrumento dando curiosos ejemplos de sus capacidades, prometiendo hacer las delicias de chicos y grandes.


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VI. El Melotrón en el Ciberespacio.

Como es de esperarse, la red de redes contiene información interesante y completa acerca de este singular instrumento musical.

Uno de los sitios más completo es sin duda 'Mellotron Archives' de Dave Kean que ofrece servicio de mantenimiento y reparaciòn de melotrones y teclados Chamberlin asi como, venta de piezas de repuesto. En ésta página encontrarás una biografía completa del instrumento asi como una extensa lista de los discos en que se deja oir el melotrón.

Otra página recomendable era 'El Mellotron', escrita por Manuel Perera Domínguez que contenía una exhaustiva investigación acerca de la historia y milagros del instrumento en asunto. Sin embargo, la página ya no existe desde hace algún tiempo.

Un listado muy completo de las grabaciones en donde ha participado el melotrón podia ser encontrado en el sitio Planet Mellotron de Andy Thompson. Desafortunadamente la página ya no existe. En ella encontrabas fechas, lugares, semblanzas y datos de interés para el melómano empedernido.

Candor Chasma es una página WEB hecha en Francia aunque con traducción al inglés, la cual contiene datos interesantes e información muy completa acerca de la historia del instrumento asi como noticias recientes.

La fábrica Streetly Electronics tiene también su propia página WEB en donde encontrarás datos e informaciòn interesante acerca de cómo se construyen los melotrones, cuales son los modelos más recientes asi como una muestra de la variedad de sonidos que reproduce.

Naturalmente Wikipedia también cuenta con información útil y completa acerca del instrumento que nos ocupa.

En You Tube es posible hallar una enorme variedad de videos en donde el melotrón hace acto de presencia. Aquí está un ejemplo interesante: se trata un film clip de los años 60s, hecho para promocionar el uso casero del melotrón. En él se explican brevemente sus características y cualidades y después un tipo toca el indispensable "Cumbanchero".


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VII. Club De Amigos Del Melotrón.

En el entendido de que son muchos los llamados pero pocos los elegidos, en el club de amigos del melotrón solo tiene cabida un selecto grupo de iniciados que han obtenido membresía gracias a su efectiva ejecución del preciado instrumento. Ellos tuvieron la habilidad de extraer al melotrón vivas y alegres melodías, asi como melancólicas e intrigantes notas. Consulta la información acerca de las membresías otorgadas a los miembros honorarios (aún cuando algunos de ellos ya emprendieron el viaje psicodélico sin retorno) y disfruta en Radio Mezcalito sus logros auditivos mientras se pueda.

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Graham Bond(nació el 28 de octubre de 1937, murió el 08 de mayo de 1974).

Carta de presentación: Baby Can It Be True?

Autor de la canción: Graham Bond

Grupo: Graham Bond Organisation

País: Gran Bretaña

Fecha de grabación: 1965

Albúm recomendable: There's a Bond Between Us (reeditado de manera reciente en formato de CD. Repertoire 5117. Edición 2008)

Notas: Bond es uno de los pioneros del Rhythm & Blues británico, en cuya música también se pueden identificar influencias de jazz. Fue uno de los primeros músicos en grabar una canción acompañado del melotrón por lo que ha asegurado su lugar en este selecto club, aún cuando su obra musical nunca gozó de la popularidad que han disfrutado otros artistas.

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Manfred Mann (nació el 21 de octubre de 1940).

Carta de presentación: Semi-Detached Suburban Mr James

Autor de la canción: Geoff Stephens/John Carter

Grupo: Manfred Mann

País: Gran Bretaña

Fecha de lanzamiento: octubre de 1966

Albúm recomendable: All Manner Of Menn 1963-1969 and more...(Doble CD lanzado en Australia en el año 2000, RVCD-102)

Notas: Manfred es un tecladista de orígen sudafricano cuya música tiene influencias de jazz, blues, rhythm & blues y rock. Hacia 1966 se hizo de un melotrón y grabó junto al grupo de rock Manfred Mann una serie de melodías inolvidables que son generosamente transmitidas al ciberespacio gracias a los buenos oficios de Radio Mezcalito.

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Brian Jones (nació el 28 de febrero de 1942, murió el 03 de julio de 1969).

Carta de presentación: 2000 light years from home

Autor: Mick Jagger / Keith Richards

Grupo: The Rolling Stones

País: Gran Bretaña

Fecha de grabación: junio-septiembre 1967

Locación: Olympic Studios, en Barnes al sudoeste de Londres, Gran Bretaña.

Album recomendable: Their Satanic Majesties Request (reeditado en formato de CD en 2002. Abkco Records - 8823002).

Notas: Desoladora joya psicodélica que originalmente apareció en el disco "Their Satanic Majesties Request" y en el lado B del disco sencillo She's A Rainbow, publicado en 1967 en EUA. La parte màs notable de la melodia esta a cargo del Melotrón ejecutado con acierto por Brian Jones.

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Rod Argent (nació el 14 de junio de 1945).

Carta de presentación: Changes

Autor: Chris White

Grupo: The Zombies

País: Gran Bretaña

Fecha de grabación: 7 de noviembre 1967

Locación: EMI Studio No. 3 en Abbey Road, Londres.

Albúm recomendable: Odessey & Oracle (30th anniversary edition. Big Beat CDWIKD 181)

Notas: en 1967 el rock alcanzó niveles de creatividad nunca antes registrados, de la mano de grupos como The Zombies. Ellos no necesitaron hacer alarde de elaborada instrumentación o rebuscadas técnicas de grabación para expresar sus desbordantes ideas. En este inspirado tema por ejemplo, unicamente echaron mano de instrumentos de percusión, piano, hermosos coros al unisono y un melotrón MKII. Aún en nuestros días la belleza iluminante de esta melodia no logra ser apreciada en su maravilloso esplendor por la multitud profana.

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Nicky Hopkins (nació el 24 de febrero de 1944, murió el 06 de septiembre 1994).

Carta de presentación: Phenomenal Cat

Autor: Raymond Douglas Davies

Grupo: The Kinks

País: Gran Bretaña

Fecha de grabación: entre el otoño de 1967 y mayo 1968.

Locación: Pye Studio No. 2 en el centro de Londres.

Albúm recomendable: The Kinks Are The Village Green Preservation Society (3 CD Special Deluxe Edition. SMETD 102. Sanctuary Records Group 2004).

Notas: Hopkins fue un hábil tecladista que participó activamente en las sesiones de grabación de numerosas bandas de rock en los años 60s. En "Phenomenal Cat" Ray Davies le pidió crear con el melotrón un ambiente cándido e infantil que sirviera de fondo musical para las aventuras de un extravagante gato volador.

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Michael Thomas "Mike" Pinder (nació el 27 de diciembre de 1941).

Carta de presentación: Tuesday Afternoon

Autor: Justin Hayward

Grupo: The Moody Blues

País: Gran Bretaña

Fecha de grabación: 24 de octubre 1967.

Locación: Decca Studio en West Hampstead, Gran Bretaña.

Albúm recomendable: Days Of Future Passed (2 CD Deluxe Edition. DERAM 983 215-0. Decca Music Group 2006).

Notas: precursores del rock progresivo, Los Moody Blues dieron un giro de 180 grados a su carrera musical cuando abandonaron sus influencias de Rhythm & blues en favor del rock sinfónico cuyos nostálgicos matices se encuentran remarcados por el inconfundible sonido del melotrón, interpretado acertadamente por Pinder.

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Richard Wright (nació el 28 de julio de 1943, muriò el 15 de septiembre 2008).

Carta de presentación: Julia Dream

Autor: Roger Waters

Grupo: Pink Floyd

País: Gran Bretaña

Fecha de grabación: 12 y 13 de febrero 1968.

Locación: EMI Studios en Abbey Road, Londres.

Albúm recomendable: The Early Singles (CD incluída en la caja de CDs "Shine On". EMI Records Ltd. CXK 53180).

Notas: en 1968 ya sin la desbordante imaginación de Syd Barret que les aseguró notoriedad, el grupo Pink Floyd inició un periodo de transición en el cual Roger Waters despuntó como un talentoso compositor. En "Julia Dreams" ( pieza de la psicodelia tardía), el melotrón a cargo de Richard Wright imprime un ambiente oscuro, onírico y surrealista. Se recomienda escucharla en Radio Mezcalito con las luces apagadas.

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Paul McCartney (nació el 18 de junio de 1942).

Carta de presentación: Strawberry Fields Forever

Autor: John Lennon

Grupo: The Beatles

País: Gran Bretaña

Fecha de grabación: 29 de noviembre y 09 de diciembre 1966.

Locación: EMI Studios en Abbey Road, Londres.

Albúm recomendable: Anthology 2 (doble CD publicado en 1996. Apple Corps Ltd. 7243 8 34448 2 3).

Notas: a finales de 1966 Los Beatles entraron a los estudios de grabación para trabajar en nuevo material discografico, el cual terminó revolucionando la forma de hacer y grabar música de rock. Su búsqueda constante de nuevos sonidos los llevó a descubrir las virtudes sonoras del melotrón. En la programación habitual de Radio Mezcalito puedes escuchar a Lennon y McCartney explicando como surgió la idea de esta canción, y después a McCartney tocando la inmortal introducción que te conducirá a los campos de fresa para siempre, donde nada es real.


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Notas al pie de página.

(1) El nombre "Mellotron" proviene en realidad la unión de las palabras "MELOdy" y "elecTRONics".--->

(2) El instrumento que Bill Fransen mostró a los hermanos Bradley era el Modelo 600 Masters inventado por Harry Chamberlin a finales de los años 1950s.--->

(3) Según la página WEB Keyboard Museum, en 1963 fueron fabricados solo 55 ejemplares del "Mellotron Mark I".--->

(4) Harry Chamberlin se enteró tarde de las buenas nuevas, aunque no se quedó con los brazos cruzados. Al saber que alguien más estaba tomando su idea para mejorarla demandó a la compañia de los hermanos Bradley hasta que en 1966 llegaron a un acuerdo mutuo.--->

(5) En el presente David Kean ha iniciado su propia empresa dedicada a restaurar melotrones en California, EUA. Por su parte John Bradley y su socio Martin Smith de nuevo fabrican el melotrón en Gran Bretaña para mantener vigente la leyenda de este instrumento musical.--->

(6) 3/8 de pulgada es un ancho poco común para una cinta magnética. Es una herencia del instrumento musical de Harry Chamberlin, el cual usaba este tipo de cinta. Algunos piensan que también era una estrategia de los fabricantes para que los consumidores les compraran las cintas de repuesto a ellos en lugar de obtenerlas en otros lados.--->

(7) Mike Pinder de la banda "The Moody Blues" fue invitado a participar en la grabaciòn del disco "Imagine" en 1971. Fue a un ensayo a casa de John con la idea de tocar el melotrón que Lennon compró en 1966. John nunca le había dado mantenimiento al instrumento asi que cuando Pinder intentó tocarlo apenas emitío sonido alguno. Cuando abrieron el aparato resultó que las cintas estaban completamente enredadas en forma de espaguetti. Pinder terminó tocando un pandero.--->

(8) Mike Pinder trabajo en la "Streetly Company" en 1966. Era el encargado de probar el instrumento recién terminado y hacer los últimos ajustes antes de que cada aparato saliera a la venta. Se las arregló para que los Bradley le vendieran un Melotrón Mark II usado a un precio módico. Ray Thomas afirma que compraron el melotrón al Club Social Dunlop a un precio rebajado.--->

(9) Los Zombies también grabaron la canción "A Rose For Emily" empleando el melotrón pero ésta toma quedó descartada de la edición final del disco. En 1998 en la edición del 40 aniversario de "Odessey & Oracle", finalmente fue publicada en CD (en forma de bonus track) la versión de 'A Rose For Emily' con melotrón.--->

(10) El album fue compilado por John Bradley (hijo de Les Bradley) y su socio Martin Smith para el sello Voiceprint (VP141CD) en Gran Bretaña. Desafortunadamente es un CD que ha quedado descatalogado desde hace algunos años y se ha convertido en un item de colección muy apreciado entre los entusiastas del melotrón. --->

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Autor de los textos e investigación: Copyright © 2008-2010 Andrés Lang. Derechos reservados.

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